domingo, 28 de marzo de 2010

Steven Heller, talento mezclado con arte

Una síntesis de los grandes logros de toda la vida, en la práctica del diseño, la edición y la enseñanza: Steven Heller.

Nació en el año 1950, en la ciudad de Nueva York. Es autor, coautor y editor de más de 100 libros sobre el diseño gráfico, la ilustración y sobre el arte político. Fue director de arte en The New Your Times por 33 años y por casi 30 años en el New York Times Book Review. Dictó clases durante 14 años de la historia de la ilustración en Ilustración AMF y también en la Escuela de Artes Visuales como programador visual, también fue director durante 10 años del Modernismo de SVA. Heller es co-fundador y co-presidente con Lita Talarico del Departamento de Diseño de la MFA donde imparte clases sobre la historia del diseño gráfico.

Durante más de dos décadas, ha sido editor asociado de la Print, Eye, Baseline y revistas de ID (identificación), además ha contribuido con cientos de artículos, ensayos críticos y en columnas de cultura y de diseño.

Como editor general de la revista Aiga de diseño gráfico, logró entrevistar a decenas de escritores, críticos y a periodistas que estaban relacionados con el diseño. Heller con su revista, busca ayudar a los futuros diseñadores contribuyendo con investigaciones y formando con un vocabulario crítico dentro del campo artístico.

Steven ha producido una inmensa cantidad de exposiciones, entre ellas tenemos: “Arte contra la Guerra”, “La imagen satírica: pintores y caricaturistas” y muchos más. Ha organizado varias conferencias, una de las más importantes es: “Historia del diseño gráfico y crítica”.

Ha recibido la Medalla de AIGA, por toda su espléndida carrera (1999), también de Art Directors Club Hall de la Fama de Educadores, premio especial (1996), el Pratt Institute Levitt, premio Hershell (2000) y la Sociedad de Ilustradores Richard Gangel, premio de Dirección de Arte (2006). Definitivamente Steven Heller es uno de los “grandes”: diseñador proactivo, excelente editor y un maestro ejemplar. Creativo de nacimiento y multifacético de profesión, sin lugar a dudas y mucho menos a equivocaciones Steven Heller se ha convertido en un gran ejemplo a seguir.




http://www.hellerbooks.com/

"La gente viene primero, nuestros diseños así lo corroboran" (David Carson)

Para algunos es considerado un Dios en el diseño, para otros un simple hereje; logró ser amado y odiado por muchos y él solo prefiere que lo citen como: David Carson.

Nació en 1956 en Texas, Estados Unidos. Licenciado en Sociología y surfeador profesional, llevó un curso de diseño gráfico por dos semanas y desde ese momento empezó a amar el diseño y convertirlo en toda una vocación. Actualmente trabajo como director y diseñador en su estudio “David Carson Design” con oficionas en Nueva York y Charleston, SC.

Carson comenzó diseñando en la revista surf “Beach Culture”, las bases que tenía como diseñador destrozaban todos los esquemas del diseño gráfico editorial de su época, remplazaba la letra “S” por el “5” y la letre “E” por el número “3”, por lo que sus artículos eran difíciles de leer; por tal motivo sus diseños han sido muy criticados, pero a él no le interesa y tampoco a sus clientes.

Gracias a la revista “Beach Culture”, a pesar que le pagaban muy poco le permitían un 100% de libertad creativa y esto lo animó a seguir diseñando, ganó los premios al Mejor Diseño y Mejor Diseño de Portada por La Asociación de Diseñadores Editoriales de Nueva York. Se convirtió en director de arte de Ray Gun, una revista musical alternativa, en donde marcó decididamente el inicio y futuro de sus diseños.

Sus trabajos más famosos fueron resultado de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992), Ray Gun (los primeros treinta números, 1992). En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre algunos de sus clientes están: Burton Snowboards, Game Net Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.

David Carson, es por convicción, un radical del diseño, es siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo por muchos es catalogado y criticado como “ilegible” y sin “estructura”, dicen que sus diseños son más que obras de arte y no de diseño cuya función principal es comunicar. Carson niega totalmente esa idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un buen diseñador no puede permanecer pasivo ante el diseño y ser completamente objetivo. Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que todo su trabajo se basa principalmente en la intuición más que en el pensamiento racional.

Sus diseños llegan a la emoción de la gente y comunican más que un texto, en sus trabajos combina distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra. Sus obras de arte no son un contenedor de palabras e imágenes; son diseños en su propio contenido sin orden aparente. Carson es considerado como un rebelde que busca siempre nuevos desafíos, sus diseños no siguen la linealidad tradicional de la lectura. El lector está siendo constantemente desafiado con cambios de líneas y bloques de textos girados, que le obligan a adaptarse a un nuevo recorrido de lectura que si quieren lograr entender tendrán que interactuar con la revista que tienen en sus manos.

Tiene cuatro libros publicados, en donde se expone todo sus diseños: The End of Print, 2nd Sight, Fotografiks y el más reciente Trek. Y como dice David Byme: “El trabajo de David Carson comunica, pero a un nivel que sobrepasa los centros lógicos y racionales del cerebro y va directamente a una parte que entiende sin tener que pensar. De esta forma su diseño es como la música: entra a nuestras mentes antes de que pueda ser detenida”.

http://www.davidcarson.com/index.html

domingo, 21 de marzo de 2010

El arte se esconde en los libros

Los libros más bellos del mundo que han sido diseñados en las últimas décadas, son realizados por una diseñadora reconocida internacionalmente por la hermosura iconoclasta de sus obras, ella es: Irma Boom.

Nació en Holanda en 1960, su pasión por el arte y el diseño la impulsó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes AKI, después de graduarse trabajó durante cinco años como diseñadora en la Oficina de Publicaciones del Gobierno Holandés. Posteriormente decidida a enfrentar nuevos retos y guiada por su innata vocación al diseño dio apertura a Irma Boom Office en Amsterdam en 1991, ha diseñado más de 200 libros y además es profesora de la Universidad de Yale, en Estados Unidos, y la Van Eyck Akademie en Maastricht.

Irma Boom ha creado algunos de los mejores libros editados en estos últimos años, leer las obras que contienen sus diseños es como sumergirse en una aventura visual, en el cual su estilo artístico predomina en cada una de las páginas.

Trabaja con importantes clientes como son las Naciones Unidas, El Rijksmuseum de Amsterdam Ferrari, Camper, Vitra (Workspirit), Aernout Mik, entre otros más. Uno de sus proyectos más importantes y ambiciosos fue el diseño de un libro con motivo de la celebración del centenario de SHV en 1996, al cual le dedicó cinco años de trabajo, Boom describió su proyecto como: “ el sueño y la pesadilla, sueño por causa de los ideales y pesadilla porque es un proceso muy largo e intenso”. El libro consta de 2,136 páginas, pero carece de números de página e índice, ya que está hecho en la lucha contra el orden cronológico.

Todo su arte está compuesto por una perfección y belleza en bruto con yuxtaposiciones de tipo audaz, incluyendo troquelados en donde el texto adorna el borde de la página. Exige a sus clientes la libertad para hacer su trabajo, reinterpretando las formas según sus propias reglas.


Respeta los libros tradicionales, pero ella tiene como ambición ensanchar el significado y los límites del libro. Sus impulsos son los nuevos medios y el modo en que tratan los textos y la imagen, le gusta experimentar y no asustarse al provocar completos desastres; porque a pesar de eso, sabe el libro siempre mantendrá su vitalidad. Irma está empeñada en explotar el contenido y la forma de los libros, ya que su papel no sólo es atender los requerimientos de los clientes, sino ser parte de un proceso creativo total.






http://www.irmaboom.nl/

sábado, 20 de marzo de 2010

Todo es diseño, ¡todo! (Paul Rand)

Considerado uno de los más grandes creativos del siglo XX, calificado por muchos como un eminente, innovador e influyente diseñador gráfico norteamericano. Todos estos denominadores pertenecen a una persona que usando hoja y papel convierte lo inverosímil en arte, él es: Paul Rand.

Reconocido por la creación de logotipos en algunas identidades corporativas más importantes de los Estados Unidos: IBM, Westinghouse, Unite Parcel Service, ABC y muchas más que se han convertido en íconos de su época.

Nació en Brooklyn, Nueva York, en 1914. A una edad muy joven descubrió su pasión por el dibujo y el arte, logró estudiar en el Pratt Institute, la Parsons School of Desing y el Arts Students League; su carrera comenzó con tareas sencillas, creó imágenes de archivo para varios periódicos y principalmente sus diseños se convirtieron en portadas de revistas solicitando a cambio la libertad artística completa. Con el transcurso del tiempo su trabajo comenzó a sembrar fama internacional.

Su imaginación, vitalidad y calidad no han sido probablemente igualadas por ningún otro diseñador editorial de nuestros días, a los veinticuatro años asume la dirección artística de las famosas revistas Esquire y Apparel Arts. Investigó el vocabulario formal de los movimientos de vanguardia europeos y desarrolló un estilo gráfico único que se caracterizó por la simplicidad, el ingenio y una aproximación racional a las soluciones del problema.

Los diseños publicitarios de Paul Rand están mezclados con humor e ingenio; creó la Tipografía Futura, siendo este su principal aporte al diseño tipográfico, es realizada con trazos geométricos con rectas y círculos, en el caso de la “O” que es una circunferencia perfecta, esta tipografía es de una lectura fácil.
Una de sus mayores aportaciones que forma parte de su amplio arco profesional, fue la utilización de la retícula para estructurar sobre ella sus composiciones gráficas, la emplea en su trabajo ya que la retícula equivaldría al pensamiento, a la idea estructural y metafísica que luego no aparece en el impreso final.

Rand recibió el merecido Premio Internacional Florencia en 1986, concedido por un jurado compuesto por las personas más representativas del diseño gráfico universal de nuestros días. Fallece en noviembre de 1996. Este impresionante y multifacético diseñador impregna en nosotros una de sus incontables frases que nos lleva a la reflexión:

"Hay una gran diferencia entre diseño abstracto sin contenido y diseño abstracto con contenido. Se puede ser un gran manipulador de la forma, pero si la solución no es la más apta, no tiene sentido”.





http://www.paul-rand.com/

domingo, 14 de marzo de 2010

El arte hecho letras

Que peligro cuando los diseñadores usan una lengua que la gente no puede entender” Paula Scher.

Es reconocida como una de las mejores diseñadores del mundo. Paula Scher, prestigiosa artista gráfica, integra desde 1991 el Pentagram Desing, un estudio famoso, es responsable de su sede en New York y es miembro de los Arts Director Club Hall of Fame y un pasgado destinatario del Chrysler Award por la innovación del diseño. Ella ha participado en la junta nacional del Instituto Americano de Artes Gráficas (AIGA), y en el 2001 le concedieron el honor más alto de la profesión, la medalla de AIGA, en el reconocimiento a sus distinguidos logros y contribuciones en el campo.

Estudió en la escuela Tyler School of Art en Filadelfia y comenzó su carrera gráfica del diseño como directora de arte de portadas de discos en Atlantic y CBS Records en los años 70.


Durante su trayectoria hizo lo que cualquier diseñador quiere realizar: packaging, afiches, portadas de discos, libros y mucho más; incluyendo numerosas exposiciones, individuales y grupales. Ha desarrollado sistemas de identidad y de marca, materiales promocionales, gráficos ambientales, el envasado y la publicación de los diseños para una gran diversidad de clientes. Paula crea imágenes que hablan a las audiencias contemporáneas con un impacto emocional y capturando su atención, estas imágenes se han identificado visualemente con la vida cultural de New York City. Sus obras son influenciadas de la historia del arte y del diseño, de la iconografía pop y la obra clásica, de la literatura, música y del cine.

Lo que nosotros vemos como simples letras, ella nos muestra en sus diseños como la tipografía se puede convertir en imagen; a medio camino entre el pop art y la cartografía fantástica, dibuja mapas completamente llenos de nombres y datos que son completamente originales y como ella misma dice: “ Son, totalmente, cien por cien inexactos”.

Su trabajo se ha expuesto por todo el mundo y se encuentra en las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, el Cooper- Hewitt National Design Museum en New York y en otros más.

Después de 30 años diseñando ha aportado una mirada reflexiva, profunda y con un poco de humor acerca de lo que denominamos como “arte”.









http://stendhalgallery.com/?page_id=174

sábado, 13 de marzo de 2010

I love Milton Glaser

Así nos encontremos en Japón o en Perú, así vivamos en el norte o en el sur. ¿Quién no ha usado un polo con la frase: I love New York?

Esta frase se convirtió en todo un emblema, en todo un ícono y sin lugar a dudas en todo un símbolo. Es el logotipo de la ciudad de Nueva York, es uno de los gráficos más famosos, reproducidos y copiados de la historia. La frase “I love NY”, en donde se observa que un corazón rojo reemplaza a la palabra “love”, fue creado en 1973 por un extraordinario e inigualable diseñador que tiene como nombre: Milton Glaser.

Milton Glaser es un multifacético diseñador, innato creativo y apasionado del arte. Su perspectiva intelectual abarca desde la ilustración hasta la arquitectura, es un hombre del renacimiento moderno que trae una profundidad del entendimiento y pensamiento conceptual que combinados con una riqueza audiovisual, a su gran inventiva y trabajo individual. Ha pasado la mayor parte de su larga y asombrosa vida diseñando, ha sido un prolífico creador de afiches, tiene un gran impacto en esta profesión que es formidable por eso es una figura influyente en el pensamiento del diseño y la educación en la actualidad. Gracias a él se ha comenzado a ver cambios significativos en las actitudes y estilos de los estudiantes, así como en el uso de las herramientas.

Estudió arte del grabado en Italia, en la escuela de Giorgio Morandi, también curso estudios en la High School of Music and Art y en la Cooper Union Art School de la que años más tarde fue director. Gracias a una beca tuvo la grandiosa oportunidad de ingresar en la Academia de Bellas Artes en Bologna, Italia. Actualmente continúa trabajando en New York, su ciudad de nacimiento, en la Escuela de Artes Visuales donde su profunda perspicacia cultural continúa inspirando a nuevas generaciones de diseñadores. Glaser actúa en todos los campos de la comunicación visual con una sensibilidad que lo lleva a extenderse desde el Art Nouveau hasta el lenguaje narrativo del cómic. Es autor de carteles publicitarios y portadas de revistas, ilustrador de libros y diseñador de juguetes, creador de logotipos e inventor de caracteres alfabéticos.

Sus obras están expuestas en lugares importantes como es el MOMA (Museo de Arte Moderno de New York), el Museo de Israel (Jerusalén) y el Smithsonian Institute (Washington, D.C). Este excelente diseñador ha recibido diferentes premios por sus impecables trabajos que se han convertido en toda una obra de arte.

Milton Glaser se ha convertido en el representante más famoso de la escuela norteamericana de diseño gráfico, a sus 76 años no deja de sorprendernos, es personalmente responsable del diseño e ilustración de más de 300 afiches para editoriales, teatro, música, películas, asociaciones civiles y diversos productos y servicios; pero lo más importante de este gran ser humano es que su moral y su ética han permanecido intactas.



domingo, 7 de marzo de 2010

Simplemente Maitena

“Hay que elegir: o la vida es bella o la bella es una”

Cuántas veces hemos pensado no salir a tomar el sol porque arruga, no tomar café porque oxida, no tomar alcohol porque fija las grasas, no comer dulces por la celulitis, no comer fritos por los granitos, no comer pastas porque engordan, no fumar porque enferma, no trasnochar porque demacra, no envejecer porque no se usa… estas y otras cosas más nos relata Maitena en sus historietas que tratan sobre la vida diaria que con un poco de ironía logramos reírnos de nosotras mismas.

Maitena Burundanera, es una historietista argentina, empezó dibujando tiras eróticas en Argentina para Sex Humor, Fierro, etc. Sus primeras publicaciones europeas fueron para Makoki, de Barcelona. Fue ilustradora gráfica tanto como para revistas y diarios como para publicaciones especializadas en textos escolares. Fue también guionista de televisión, propietaria de un restaurant y dueña de un bar. Su primera tira cómica, “Flo”, se publicó en Tiempo Argentino, un diario porteño.

Mujeres Alteradas, es el título de su página de historieta humorística, en donde podemos ver las peculiaridades del mundo femenino y la relación con su entorno, especialmente con los hombres (maridos, novios o amantes) y con los hijos. Las historietas son protagonizadas por mujeres casadas, soltera, viudas, adolescentes, de diferentes edades, algunas son feas, guapas, gordas, delgadas, con o sin novio, envidiosas, vanidosas, dramáticas; todas estas mujeres aparecen reflejadas en las viñetas de Maitena.

Maitena, quien escribe sobre las complicadas pero también divertidas mentes de nosotras las mujeres, ha escrito varios libros entre ellos tenemos: Mujeres alteradas (cinco ediciones), Curvas peligrosas (dos ediciones), Superadas (tres ediciones) y Todas Superadas. Ha vendido más de un millón de copias y sus libros están traducidos a más de 20 idiomas, logrando cautivar al público internacional.

Sus temas preferidos son el amor, el desamor, el enamoramiento, la angustia, la soledad, el fracaso, el éxito y mucho más; todo esto se expresa en una vida cotidiana llena de humor.

Concluyendo con este humilde acercamiento a la vida de Maitena, ella se toma la molestia de hacernos recordar cuatro inútiles certezas: Si tomas sol te arrugas, si no tomas sol pareces un pollo crudo; la dieta te adelgaza, la comida te da placer; las zapatillas son cómodas; los tacos te hacen mujer, si te operas se nota y si no te operas también.

Un viaje por el mundo de Jeremyville


¿Quién no tuvo unas converse con uno de los dibujos de Jeremyville? y ¿Quién no tiene un skate con el arte de Jeremyville?

Jeremy Andrew, más conocido como Jeremyville, es uno de los artistas más importantes del momento; tiene un concepto iconoclasta respecto al arte y diseño para un nuevo siglo. Se encarga de diseñar, producir y hacer exhibiciones de arte; toda su creatividad se puede observar en zapatillas, cientos de miles de polos, skates, gorras y libros. Sus comics son mudos para que cualquier persona pueda entender la narrativa, lo símbolos de las viñetas cuentan una historia universal que tiene un final lo suficientemente abierto para que otros añadan su propia interpretación, el objetivo general que tiene cualquier proyecto de Jeremyville: conectar con la gente en un nivel muy personal pero también alcanzar a muchas personas, de manera universal.

Estudió Arquitectura en Sidney, ciudad de origen de este extraordinario artista, era editor de un periódico escribiendo columnas y entrevistando a personas, después tuvo la necesidad de llenar los huecos de algunos artículos con dibujos y así empezó su carrera de artista. A los 19 años convenció al periódico más grande de Australia, el Sydney Morning Herald, de darle un trabajo regular haciendo dibujos de editorial e ilustraciones. El nombre de Jeremyville, decidió crearlo ya que vive un mundo moderno y este nombre es como una etiqueta inspirada en la web. “La revolución y el cambio son todo para mí. Mi propio ejército interno sufrió un golpe de Estado y estableció el nuevo estado mental Jeremyville”, menciona Jeremy Andrew en una entrevista realizada por la revista Dedo Medio.

Le inspira la música ya que es crucial para su trabajo, también el ejercicio, el aire libre, los buenos amigos y la buena comida. Las pesadillas y sueños como la realidad son parte de la vida y el arte de este artista, puesto que pueden ser una herramienta poderosa si se sabe como entrar en ellos y utilizarlos. El estilo de sus comics es un poco denso, muy vacíos, pero complejos y ricos en lo narrativo, tienen una naturaleza cíclica aludiendo al hecho de que no importa cuán grandioso o malo sea algo, existe ese equilibrio universal que encuentra un balance y lo nivela.

Tras navegar un poco por el mundo de este espectacular artista, nos damos cuenta que le emociona la condición humana, su fuerza y su fragilidad, su eternidad y fugacidad. Pare él todo es magnífico y hermoso.